Reseña de Opera Holland Park 2023: Rigoletto

Sep 22, 2023

La nueva producción inteligente de Cecilia Stinton frustrada por giros vocales irregulares

La temporada 2023 de Opera Holland Park (OHP) abrió con la nueva producción de Cecilia Stinton de "Rigoletto" de Verdi. Lidera un grupo de nuevas producciones que incluyen "Hansel and Gretel", el estreno mundial de la nueva ópera de Jonathan Dove "Itch" y "Ruddigore", otra colaboración de G&S con Charles Court Opera.

La bella producción de Stinton (diseñada por Neil Irish) es "Rigoletto" a través de Evelyn Waugh, piense en Mantua College, Oxford. El tonto titular es un portero universitario, cuya pierna ortopédica y medallas de guerra sugirieron una lesión sufrida en la Gran Guerra, lo que sugiere una causa externa de su angustia. También lo convierte, en última instancia, en otro tipo de víctima de la clase dominante británica con derechos que conforman el duque y sus cortesanos, que se asemejan a una sociedad de estudiantes bebedores al estilo de un club de Bullingdon que se deleita en rituales de humillación sexual y física infligidos a mujeres y entre ellos (en una escena de apertura vigorizante de sus compañeros se inicia en el club al tener su cabeza sumergida brutalmente en un balde de agua).

Los temas de la ópera sobre el derecho y la crueldad, con una gran dosis de misoginia encima, encajan bien en este escenario, que tiene un valor político especial dada la experiencia de muchos políticos importantes (dos primeros ministros recientes) en este medio. Sin embargo, a veces es más Wodehouse que Waugh: en el segundo acto, Monterone se pasea cómicamente en calzoncillos, envuelto en banderines y golpeado con los remos del cobertizo para botes, lo que silencia la sensación de fatalidad de la música.

OHP ha conservado su configuración de los últimos dos años, con orquesta en el medio, con un delantal en el frente, lo que nos da el interior de la casa de Rigoletto, aislado del resto por dos puertas de metal siniestras. Es una buena manera de enmarcar la tensión favorita de Verdi entre lo público y lo privado, y las máscaras que deben ponerse para atravesar estos escenarios.

Hay muchos toques de época enérgicos trabajados en la producción. El pub en el Acto tres está equipado con tablero de dardos y carteles de cigarrillos, y agudiza la división de clases entre la ciudad y el vestido en la pieza. la banda para la escena de apertura es reemplazada por una banda de jazz que suena a través del gramófono mientras el coro retoza en una escena de fiesta coreografiada inteligentemente (el amplio y distante área del fondo del escenario no es fácil de llenar sin que parezca demasiado ocupado, Caitlin El movimiento de Fretwell Fresh y un complemento de actores hacen que el mundo se sienta vivido, aumentando la sensación de Verdi por el realismo psicológico).

Los elementos de audio fijos que preceden a cada acto (ruidos de fiesta al comienzo, un latido asustado después del secuestro de Gilda) son menos exitosos y no agregan nada a una partitura que Verdi ya ha trabajado con precisión para la tensión y la perspicacia. La iluminación de Jake Wiltshire, sin embargo, es una gran ayuda, cruda y dramática, y evita que el escenario se sienta demasiado "Jeeves & Wooster" u opereta (uno podría seguramente montar "Die Fledermaus" usando el mismo escenario básico).

Stinton maneja a Gilda especialmente bien. Primero la vemos regresar de una fiesta, escondiendo una botella de champán vacía y lentes de sol flapper antes de adoptar la personalidad recatada y estudiosa que su padre esperaba; tenemos la sensación de que ya se está abriendo camino en el mundo, a pesar de la insistencia equivocada y sofocante de su padre de que se quede y lea libros. Por lo tanto, su último sacrificio parece provenir de un lugar de madurez y agencia. En la escena final, se levanta como transfigurada, Rigoletto agarra la sábana ensangrentada en la que estaba envuelta; finalmente se separa de su padre, aunque solo sea en la muerte, y se convierte en alguien completamente nuevo.

Es una visión convincente de la ópera, pero defraudada en la noche por la interpretación del barítono Stephen Gadd. Claramente enfermo, aunque sin ningún anuncio, luchó por cantar por encima del pentagrama y se vio obligado a hacer una serie de compromisos no musicales, transponiendo pasajes enteros una octava más abajo y renunciando a muchas de las notas altas más emocionantes e intensas del papel. Gadd es un buen actor y trató de incorporar algunas de las deficiencias vocales en el papel: su "taci", normalmente una F superior en la secuencia "Cortigiani" del segundo acto, fue un patético (en el sentido correcto) gemido de angustia. Pero esta fue una pálida imitación en última instancia. Si bien no todas las versiones del papel tienen que poner en primer plano la gimnasia vocal olímpica, hay momentos, los clímax de los Hechos 1 y 3, que realmente requieren erupciones de barítono. Se sintió como una noche en la que Gadd debería haberse hecho a un lado para que una tapadera ocupara su lugar; uno solo puede esperar que su salud mejore por el resto de la carrera.

Gilda de Alison Langer fue una historia diferente, felizmente. La seguridad vocal (golpe en el medio de la nota) es la combinación perfecta para la floreciente personalidad del personaje en la producción de Stinton, y su coloratura en "Caro nome", especialmente los trinos agudos como hemorragia nasal, fue nítido. Cuando necesitó poder, estuvo allí en abundancia, elevándose desafiante sobre la orquesta en el final del segundo acto mientras defiende la misericordia sobre la venganza (fuerza vocal y moral de una pieza). Su dúo moribundo con su padre brilló: una actuación abrasadora.

Alessandro Scotti di Luzio dio un relato ligeramente desigual del duque. Es lo suficientemente creíble como un patán elegante de Oxford, con el poder y el temple de su voz traduciéndose bien en la arrogancia bulliciosa de la escena inicial y, de hecho, en la arrogante seguridad en sí mismo de su encuentro con Gilda; también montó un buen espectáculo haciendo cabriolas para los asistentes al pub en "La donna è mobile", quienes están indignados e intrigados en igual medida por este toff en su casaca escarlata. Pero a menudo cantaba un poco por debajo de la nota, con el peso de su voz demostrando ser bastante inflexible, particularmente cuando buscaba las notas altas más rentables; del mismo modo, los colores más suaves y delicados en otros momentos hubieran sido bienvenidos.

Los papeles más pequeños ven algunas caras familiares en Opera Holland Park y están elegidos con una fuerza característica. El Marullo de Jacob Phillips es una presencia malévola, con un barítono tan preciso y pulcramente recortado como su bigote (es un joven cantante que continúa impresionando, y espero escucharlo debutar en un papel más sustantivo de Verdi). Matthew Stiff trae su bajo cavernoso y carismático a Monterone (siguiendo a un opulento Príncipe Gremin el año pasado en "Onegin"), incluso si la dirección casa bastante su intensidad con la producción.

Sparafucile de Simon Wilding alardeaba de un Fa inferior medio, y desplegó el viejo truco de bravura de cantarlo en el fondo del escenario mientras se marchaba al final de su aria: si lo tienes, ¿por qué no presumirlo? Los hombres del Coro de Opera Holland Park, complementados por un grupo de actores, habitan la música y la acción con facilidad, y pueblan el mundo de Stinton con convicción. Maddalena de Hannah Pedley aportó una cualidad aterciopelada y seductora al cuarteto del tercer acto.

Lee Reynolds dirigió la orquesta habitual de Opera Holland Park, la City of London Sinfonia, en una ligera destilación de la partitura de Verdi con instrumentos de viento de madera y metales de Tony Burke. Las cuerdas eran delgadas y duras, y el solo de oboe en "Tutte le feste al tempio" era desolado y sereno. A pesar de que esta es una partitura que a menudo requiere grandes explosiones dramáticas de sonido (piense en la aparición de Monterone en el segundo acto), esta versión reducida habla de los muchos momentos de cámara de la ópera con focos solistas, y nuestra mayor conciencia de los jugadores individuales ayudó a subrayar el agudo sentido de la ópera. retrato psicológico. Reynolds tomó las cosas con bastante calma, lo que evita que la partitura se hunda en este gran espacio abierto, aunque el aria de apertura fue tan enérgica que apenas hubo espacio para respirar para el duque. Fue un juego preciso, en lugar de imponente, pero tuvo un impacto diferente en consecuencia; otros problemas iniciales, como los tambaleos del conjunto en el preludio, seguramente se resolverán a medida que avance la presentación.

Es una visión fuerte de la obra, aunque frustrada por un par de interpretaciones vocales.

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Por Benjamín Poore